Silverchair - Diorama

Es una banda de Rock y Post Grunge de Australia, formada en 1994 con Daniel Johns, Ben Gillies y Chris Joannou. Comenzaron en la escena musical bajo el nombre “The Innocent Criminals” realizando covers de sus bandas favoritas como Deep Purple, Led Zeppelin. Para luego pasarse a llamar “Silverchair”.

Su primer disco lo graban teniendo 15 años los tres integrantes, este LP se llamó “Frogstomp” lanzado en 1995 con un sonido similar a Nirvana , luego lo suceden cuatro discos más “Freak Show”, “Neon Ballroom”, “Diorama” y “Young Modern” donde logran desarrollar un sonido y estilo propio, sumando sonidos orquestales.

Diorama es el cuarto álbum, lanzado en 2005 y que marca un antes y después en el sonido de la banda, ya que refleja la madurez de la banda, del pasar a ser esos niños de 15 años jugando a ser como sus ídolos a poder desarrollar un sonido propio con una mayor conceptualización de la música. El resultado ya no es ese sonido de Grunge emulando a Nirvana, sino que ahora nos lleva a un rock más sinfónico, con arreglos de cuerdas, guitarras acústicas, pero fusionado con lo que la banda ha venido desarrollando.

La canción encargada de abrir el disco “Diorama” lo es “Across the night” que con un sonido expectacular y unos coros envolventes, un hombre en medio de la noche pide disculpas a su mujer por hacerla llorar, que no quiere estar solo y le pide matrimonio. Con un comienzo más agresivo parte “The Greatest view” acá podemos apreciar la armoniosa voz de John, el tema versa sobre como un hombre tiene una mejor visión de las cosas por medio de otra persona, el poder ver como lo ven otras personas, y así mismo el también puede verse desde otra perspectiva a si mismo y saber quién es él. Con una batería más pesada y un ritmo más rockero nos presentan “Without you” que hace una mezcla entre el sentimiento de estar sin esa persona que uno quiere analogándola con diferentes climas a los estados de ánimo.

Con un sonido más lento, con un genial arreglo de guitarras y la batería llega “World Upon your Shoulders” para cuando sientas que todo tu mundo esta mal, te canses y no sepas que hacer sólo tienes que tomar el mundo sobre tus hombros y andar, aunque sea grande y difícil. Toda la potencia del rock la reencontramos en “One Way mule” guitarras pesadas anuncian a un hombre con una forma de amar peligrosa, por lo que pide que no se enamoren de su corazón, sino que por su mente, porque si lo quieren sólo romperá corazones, porque decepciona.

“Too Much of not enough” esta canción retrata cuando nos esforzamos mucho por realizar ciertas cosas, pero a pesar de ello no es suficiente para obtener resultados satisfactorios. Todo el romanticismo llega de la mano de “Luv your life” con sonidos más poperos. Con una introducción más terrorífica “The Lever” habla de nuestras vidas, que vivimos tropezándonos, que muchas veces no nos detenemos a tratar de entender y saber que es lo que sentimos realmente, siempre se nos vuelve una especie de guerra nuestra vida.

Con un sonido más armónico, tranquilizador y unos tonos vocales más agudos “My favourite thing” esta dedicada a aquella persona que sabe sanar cuando es necesario y entregar tranquilidad a la vez, esa persona que es mi cosa favorita. El final del disco nos trae una hermosa canción que habla de la relación entre un padre y su hijo en “All these years” que al pasar el tiempo quedan los buenos recuerdos y lo malo se olvida, las cicatricen sanan las heridas del tiempo.

Una banda que aprende de sus aciertos y fracasos vemos en Silverchair. Pudieron madurar y reorientarse como banda musical y en la propuesta que ofrecen al público, desde el sonido que desarrollan y hasta en sus mismas letras, todo esto ello lo llaman: Diorama. Quizás muchos quienes estaban acostumbrados a su sonido se extrañaron con este disco, pero es realmente grato poder escuchar un disco tan bien logrado. Si el mismo John nos dice que él no espera quedarse haciendo siempre la misma música, que el respeta a los fans y los desafía a ver si siguen queriéndolo con diferente sonido, no es como aquellas bandas que siguen realizando lo mismo por años sólo porque vende.

Diorama (2002)

01 - Across The Night
02 - The Greatest View
03 - Without You
04 - World Upon Your Shoulders
05 - One Way Mule
06 - Tuna In The Brine
07 - Too Much Of Not Enough
08 - Luv Your Life
09 - The Lever
10 - My Favourite Thing
11 - After All These Years
Across the line




Without you

Solo di Medina - Hembras de Marte

Solo di Medina es el nombre artístico que ha adoptado Víctor Flores, que es más conocido porque formó parte de La Pozze Latina, y luego en un dúo junto a Dj Raff, donde adquiere la experiencia y seguridad necesaria para poder lanzarse con un proyecto en solitario. Con estas referencias lanza “Hembras de Marte” disco debut en donde se logra una muy buena combinación entre soul, funk de los setenta, R&B y baladas románticas.

El título del disco está inspirado en un libro de Tao de la Gracia, que en su obra versa sobre la superioridad de la hembra sobre el macho mediante la tranquilidad. Así cada canción habla de una mujer o de varias mujeres, logrando un disco sensual, con erotismo, una mezcla perfecta entre dramatismo y pasión de las relaciones amorosas.

De lleno en el disco, el concepto planteado por Víctor se percibe desde la primera canción en la cual una mujer con una voz sensual nos da la bienvenida al planeta Venus, al mundo de Ellas. Nos lleva inmediatamente al primer single y canción que da nombre al disco “Hembras de Marte”, dedicada a estas mujeres bellas por naturaleza, mística algunas veces, todo esto con un excelente sonido que invita a mover el cuerpo, acompañado con toques funkys. Continuando con este viaje podemos decir que llegamos a los 70, ya que “Mujer de Vuelo”, nos hace recordar al funk de esta época, mientras nos revela su admiración y locura que le producen las azafatas de los aviones.

Todo el romanticismo, la delicadeza en la letra que nos parece estar escuchando una carta de amor, se encuentra en “Acércate Más” el reconocer en uno mismo que el amor está presente y que la persona que te hace sentir así está cerca de ti, hasta el punto de que es una necesidad para colmar esta soledad. En “Esta noche” llega la sensualidad, primero en la voz de Anita Tijoux y luego complementándose con la de Víctor, en un tema más R&B, donde nos narran la historia de un encuentro de una noche, muy romántico.

“Mentira” es un tema sencillo, en el que podemos escuchar una fusión musical interesante, escuchamos de fondo una base que nos hace recordar a un bossa nova acompañado con elementos soul, tambores más latinos y de a poco aparecen los scratch característicos del rap. El disco continúa con “Niña Loca” un tema más instrumental con elementos electrónico y con un potente bajo y una rítmica batería.

En la canción que continúa aparece “Wapa” un bolero soul romántico, lento, tranquilo, es un gran tema, con una suavidad increíble. “Enamorame” que nuevamente recurre a la necesidad de estar con la otra persona, con aquella mujer especial. Con “Femme Fatale” nos reencontramos con el funk, y nos retrata a esa mujer que encanta a los hombres.

La canción que continúa es “Loco por tu amor” entre el blues y r&b, tras la separación aún queda el recuerdo, que lo tiene loco por ella. Nos encontramos después con “Gran Final” tema que nos habla de la sociedad y sus anuncios desesperantes, donde lo único que queda es disfrutar de los momentos del amor. El disco cierra con “Yo siento igual” un gran tema funky, pero la última canción es en realidad un bonus track, que llega a cerrar este gran disco con un sonido R&B, que nos habla del viaje de un hombre que se va a buscar mejores oportunidades.

Es un disco sencillo, romántico y lleno de una sensualidad, que tal como lo plantea Solo di Medina, te transporta a otro ambiente, te lleva a un mundo tranquilo, desde una propuesta musical sobria a una voz ad hoc de Víctor y unas buenísimas colaboraciones que realmente son un aporte al disco. La fusión de música latinoamericana con la música negra suena realmente interesante. Sin duda una gran propuesta para un gran disco. Este artista trabaja muy bien creando texturas musicales, sonidos con forma, que la música es acorde con la letra y el mensaje que te quiere transmitir. Además sobresale la composición de sus letras, cuidadas, sencillas y que a veces me hacen sentir que cada una es un poema para alguna mujer. Sólo queda decir que hay que tener ojo con Solo di Medina, que en un futuro seguramente nos va a volver a sorprender con sus nuevas producciones que esperaremos con ansias.

Hembras de Marte (2008)

1-. Intro
2-. Hembras de Marte
3-. Mujer de Vuelo
4-. Acércate Más
5-. Esta Noche
6-. Mentira
7-. Niña Loca
8-. Wapa
9-. Enamora
10-. Femme Fatale
11-. Loco por tu Amor
12-. Gran Final
13-. Yo siento Igual
Hembras de Marte


Mujer de Vuelo

Arctic Monkeys - People Say I Am, Thats What I’m Not

Arctic Monkeys es una banda inglesa de Rock. Formada en 2002 y su popularidad en un comienzo fue creciendo a través de internet, a través del myspace de la agrupación, que curiosamente en un comienzo fue creada por sus fans, ya que ellos desconocían cómo crear esta página.

En 2005 lanzan al mercado “Wathever People Say I Am, Thats What I’m Not”, frase tomada de la película “Saturday Night and Sunday Morning” de 1960. Fue el disco más vendido en sus primeras semanas en Reino Unido, siendo desplazado únicamente por Leona Lewis meses después.

Dentro del disco podemos apreciar el estilo sobre el cual se expresa la banda, este es un Rock más indie, lleno de guitarras duras, en donde la batería y el bajo son quienes se encargan de llevar el pulso, acompañado de quiebres, silencios y todo esto con un marcado acento británico.

El disco parte fuertemente, como un golpe de energía que nos quiere contar muchas cosas, a un ritmo inquietante. Las primeras canciones son “The view from afternoon” y “I Bet You Look Good On The Dancefloor” . Las letras de a poco nos cuentan acerca del realismo social, historias urbanas; tal es el caso de la siguiente canción “Fake tales from San Francisco” , que nos habla de las falsas historias que nos cuentan y que no queremos oír. En “You Probably Couldn't See For The Lights But You Were Looking Straight At Me” se nos cuenta como la sonrisa se conforma desde el cuerpo hasta la intervención de factores externos, está canción muestra una batería más golpeada, con un ritmo más al estilo Offspring.

Podemos escuchar en “Still Take You Home” nos muestran mayor versatilidad con guitarras más tiradas al funk y coros entretenidos. “Riot Van” nos narra la historia de un atropello y que pasa con el conductor que se arranca, es una canción más tranquila casi recitada. La igual que el tema anterior nos encontramos con “Mardy Bum” canciones más apagadas, pero que son necesarias en el álbum. Pero la fuerza de la banda vuelve con “Perhaps Vampires Is A Bit Strong But...” quizá una de las canciones más críticas del disco, al referirse a aquellas personas que sólo les importan el dinero y sacar provecho de las cosas, y como son unos vampiros al querer chupar la sangre de todos.

Con ciertas rememoranzas a Roxane de The Police nos encotramos con “When the sun goes down” nos cuenta la historia desde la historia de un hombre, la prostitución, su relación con las ETS. El disco cierra con un potente “A Certain Romance”, que nos habla de la cultura indie: con observaciones sobre el estilo de vida de la clase obrera.

Sin duda una de las grandes bandas de los últimos tiempos, nos trae y presenta desde una parada totalmente alternativa su música. Se valora la negatividad ante el venderse como un producto marqueteable por parte de las disqueras, y nos presentan el tal y como ellos lo ven, sin importar si liderarán los chart o si venderán más LPs. Su estilo medio rock, medio punk, nos lleva encontrar identidad en sus composiciones, destacando la batería y los riffs. Quizás hay que cuidar un poco el no saturar con su propuesta y el tratar de estar innovando constantemente, para que la fórmula no se agote.

People Say I Am, Thats What I’m Not (2005)

1. The View From The Afternoon
2. I Bet You Look Good On The Dancefloor
3. Fake Tales Of San Francisco
4. Dancing Shoes
5. You Probably Couldn't See For The Lights But You Were Looking Straight At Me
6. Still Take You Home
7. Riot Van
8. Red Light Indicates Doors Are Secured
9. Mardy Bum
10. Perhaps Vampires Is A Bit Strong But...
11. When The Sun Goes Down
12. From The Ritz To The Rubble
13. A Certain Romance



When the sun goes down

Jamiroquai - Travelling Withou Moving

Jamiroquai es una banda británica cuyo vocalista es Jay Kay. El ritmo en el que incursionan es en el Funk y el Acid Jazz. El nombre “Jamiroquai” es la unión de la palabra Jamming (Improvisación musical) con una tribu indígena llamada “Iroqueses”.

Travelling without moving es su tercer álbum de estudio y uno de los más populares. Quien sobresale es su vocalista, por sus vistosos sombreros, su personalidad magnética, su gran voz y sus dotes para el baile.

El tercer álbum de la banda se denomina “Travelling Without Moving”, donde encontramos una fusión de sonidos que llega incluso al folclore australiano.

El primer single y que abre el disco es Virtual Insanity, una canción crítica que nos lleva a reflexionar acerca del amor que le tenemos a la tecnología y como eso nos afecta. Si seguimos así nos depara en un futuro cercano la locura. Esto acompañado de una excelente interpretación musical por parte de toda la banda y un coro muy pegajoso, la canción es compleja, ya que involucra silencios y una espectacular orquestación. La segunda canción lo es “Cosmic Girl” que al sonido de un movido funk nos narra la historia de un hombre que se encanta y enamora de una mujer cósmica.

Los siguientes temas del disco nos muestran la fusión que puede realizar la banda: es así que encontramos en “Use the Force”, ifluencias desde la música del Brasil. Y las letras versan acerca que podemos ser lo que queramos siempre cuando usemos la fuerza, la fuerza de creer y la voluntad. Tener fe en que se puede lograr aquello anhelado. “Drifting along” con bases al son del reggae, nos menciona que a pesar de todo los cambios el amor debe reinar y ese debe ser nuestro guía. En las instrumentales “Didjeridama” y “Didjital vibrations” encontramos sonidos ambientales de la naturaleza con bases electrónicas, sonando de fondo un didjeridoo (instrumento folclórico australiano). Este recorrido nos lleva a sus sonidos Funkeros originales, y un claro ejemplo de esto lo es “Traveling without moving”.

El amor es otro de los temas centrales de este disco. Así, encontramos en “EveryDay” una historia de amor en la cual uno de los amantes no sabe muy bien lo que quiere y no lo demuestra, y cuando ya están separados, se da cuenta que lo que quiere es a aquella mujer: su amor. En “You`re my love” nos transporta a los ’70, dedicándole todo su amor a una mujer. Pero es en “Spend a lifetime” donde se demuestra todo el romanticismo de la banda, decirle a alguien que se quiere pasar una vida entera con ella, porque sólo con esa persona uno se siente bien.

Y existen temas que invitan a una mayor reflexión, entre ellos encontramos a “Alright” la cual nos nos sorprende con un hermoso sonido introductorio. Es una canción simple que nos habla de lo necesario que es el amor en la vida todo esto al son del jazz. “High times” habla de esos grandes momentos en que se nos olvidan los problemas, y nos sentimos bien. Y finalmente “Do you know where you’re coming from?” diciéndonos sobre la búsqueda del sentido de las cosas, de dónde venimos y hacia donde vamos.

Este disco es increíble, en los sonidos que nos entrega, nos transporta a otra dimensión y podemos disfrutar de la propuesta que nos plantea. Además es interesante poder ser espectador de esta fusión musical interesante.

Traveling without moving (1996)

01 - Virtual Insanity
02 - Cosmic Girl
03 - Use The Force
04 - Everyday
05 - Alright
06 - High Times
07 - Drifting Along
08 - Didjerama
09 - Didjital Vibrations
10 - Travelling Without Moving
11 - You Are My Love
12 - Spend A Lifetime
13 - Do You Know Where You're Coming From
14 - Funktion



Virtual Insanity


Cosmic Girl

Bárbara Muñoz - Bárbara

A lo mejor este es un vuelco más pop para el blog. No lo creo, ya que sólo es dar a conocer buena música chilena y esto viene de la mano de Bárbara Muñoz. Esta mujer de 22 años y a los que muchos deben reconocer ya que participó en el programa rojo ganando su generación y luego se dedicó a realizar un disco independiente. Posteriormente firma un contrato con Sony por cuatro discos y acá vemos el primero: Bárbara. Si bien sabíamos que era una gran cantante e intérprete, pero en este disco lo que más nos sorprende son sus composiciones, potentes, escritas con el corazón en donde afloran los sentimientos, sin duda es su parte más fuerte.

En términos musicales le ha ido bien en mexico, sonando en las radios y con dos videos clips en la televisión local. También ha podido cantar junto a Kenny G en su último disco.

Su segundo disco lanzado en 2008 nos muestra una artista más madura y con una potente voz, los temas se desarrollan en el amor y desamor, relatando historias personales y que toman sentido de a poco. Todo esto bajo el sonido del pop, el R&B y un poco de rock.

Podemos apreciar un disco lleno de sentimientos, expresados en la música, voz y letras. El amor es el tema central, y si bien es un tema desarrollado en muchas otras producciones de diferentes artistas, en este toma un eje estructural y se puede ver desarrollado en varias maneras, principalmente como amor de pareja en sus vaivenes.

El disco comienza con “Si supieras”, nos sorprende, ya que aparece junto a Sin Bandera. Un piano a modo de introducción y las voces de estos románticos. Tras el termino de una relación, desde el sentimiento se nos dice si supieras las ganas de volver, “que es ridículo vivir sin ti y el orgullo te puede matar” que el amor no se acaba.

En “Dulce destino”, vemos la fortuna de encontrar el amor por casualidad, en el momento y hora indicada, con un sonido más alegre. Como contraparte sigue “Esto tiene su final” una canción que nos recrea con lujo de detalles el sentimiento y lo que observa una persona en el momento en que termina una relación, más allá de las palabras se refleja la imagen.

Uno de los singles lo es “Estrella en mi piel”, volvemos a los comienzos del amor, más bien en la atracción de una persona hacia otra pero que aún no se confiesa, y en ese proceso de contarle, es en donde nace está canción, con un sonido que invita a mover el cuerpo. El primer single es “Mienteme”“Otro día sin ti”, tema emotivo que nos habla de las decisiones de la vida. Una mujer decide terminar su relación por esperar a su príncipe azul, pero se da cuenta que ese príncipe nunca va a llegar y que lo tuvo a su lado al amor de su vida, sin embargo lo dejó libre. Un tema muy r&b con una gran interpretación vocal. acá vemos al amor en un estado de alejamiento, cuando se huele que el otro ser ya no te ama, por eso se le pide que mienta, ya que a pesar del sufrimiento de no sentir su amor, es peor el no sentir su presencia. Un tema muy potente con una clara tendencia pop.En el tema “Quiero volar” volvemos a ver el tema de la separación, pero desde el otro lado de la moneda, ya que es ella quien termina la relación buscando libertad, aunque esto no quiere decir que no amó, sino que su búsqueda va por otro lado. Encontramos en “Quisiera” otra ruptura amorosa, en esta ocasión hay daño, y se quisiera estar bien sin esa persona, y pensar que se puede ser feliz: poder olvidar. El tema más rockero del disco es “Ser”, que nos versa sobre el estar enamorado de alguien, volverse loco por aquella persona, sentir que el corazón late fuerte con solo ver su figura.

El disco finaliza con Todo esta de más. Quizás es la canción más emotiva, ya que la interpretación es maravillosa, y la poética de la letra es muy afectiva. Habla de la separación de un amor, cuando una de las partes no ha dejado de amar, y se pregunta porque tuvo que ser esa persona la que lleno todo su corazón y sin embargo ahora se va.

Si bien es un disco más pop, pero hay esencia negra junto con una buena interpretación y entendiendo que busca un mercado internacional se ve un disco más comercial en relación al anterior que era más funk (Amanecer) aún así es un buen disco de una gran cantante.

Bárbara (2008)

01. Si Supieras (Ft. Sin Bandera)
02. Dulce Destino
03. Esto Tiene Su Final
04. Estrellas En Mi Piel
05. Mienteme
06. Otro Dia Sin Ti
07. Quiero Volar
08. Quisiera
09. Ser
10. Todo esta de mas

Mienteme

Estrellas en mi piel

Arcade Fire - Funeral

Banda Canadiense de Rock Indie, introduce dentro del rock instrumentos poco convencionales como violines, violas, piano, mandolinas, ukuleles, acordeones y xilófonos. Por lo que algunos lo consideran Art-Rock. Consiguiendo sonidos nuevos.

Su álbum debut es Funeral, lanzado en 2004, el cual fue aclamado por la crítica especializada. El nombre fue elegido por las numerosas muertes de seres cercanos de los miembros de la banda durante el período de grabación del disco. Lo curioso que este álbum fue popularizado a través de internet ya que no contaba con un sello discográfico adquiriendo mayor éxito popular a tal punto que fue postulado para el Grammy como mejor álbum y mejor canción. La calidad del grupo es tal que David Bowie se ha referido a la banda como su nuevo grupo favorito.

El disco abre con “Neighborhood #1 (Tunnels)” en donde encontramos un sonido especial, expresivo y a la vez nuevo, con varias texturas que deleitan a nuestros oídos. Nos narra una historia de amor entre dos vecinos que se comunican por un túnel para mantener su relación. “Neighborhood #2 (Laika)”está centrado en problemas familiares con un hermano mayor conflictivo. Apreciamos una mixtura de acordeón con influencias francesas.

Con un tema medio inglés y medio francés “Une Annèes Sans Lumiere” es más relajado que los anteriores que de a poco va poniéndose más enérgico hasta que nos lleva a recordar a Placebo. Este tema es una metáfora relacionada con la luz y oscuridad, refiriéndose a un padre que no quiere ver la relación afectiva de su hija. Con un sonido diferente, que nos recuerda a un U2 ochentero “Neighborhood #3 (Power Out)” tiene increíbles cambios de ritmos. Las letras nos invitan a reflexionar sobre la insensibilidad y frialdad actual.

“Neighborhood #4 (7 Kettles)”: es una balada melódica con tendencias folk. Nos versa sobre la desilusión acerca del paso del tiempo, la vida efímera. Es el tema más acorde al título del álbum.

Con el sonido del bajo y teclados encontramos un tema que nos transporta como a los años 50. “Crown of Love” es una balada romántica que nos menciona sobre el amor, el seguir amando a alguien a pesar de que ya esta no quiere estar ya con él. Al final del tema encontramos un cambio de ritmo muy interesante y original, este tema es un gran acierto. “Wake up” es un tema más Hardrock, con acompañamiento orquestal y buenos coros. Hablándonos sobre la madurez, el paso de niño a hombre, la pérdida de la inocencia, y su posterior muerte. También con un cambio de ritmo hacia el final de la canción que le sienta muy bien a la banda.

En “Haiti” escuchamos sonidos más ambientales y que nos rememoran los sonidos caribeños. La voz femenina pasa a tener una importancia notable lo que se agradece. Es una canción que nos relata la experiencia de Régine en Haiti. Como continuación del tema anterior está “Rebellion (Lies)” donde va sumándose los teclados como soporte, manteniéndose a lo largo del tema. Uno de los cortes más atractivos del disco, esta vez nos menciona acerca de los sueños y como escapamos de la realidad, como una medida de evasión y donde ocultamos nuestros deseos.

” El álbum se cierra con “In the Black Seat”, que lo canta nuevamente Régine, que nos rememora a la cantante islandesa Björk. Se nos sitúa en la parte trasera de un auto (carro fúnebre) y la tranquilidad que se posee en ese lugar, así como las perdidas. Ya no hay responsabilidades, ya no se corren riesgos, todo es nada. Un gran tema para cerrar el álbum, ya que el sonido de a poco se va perdiendo hasta fusionarse con el silencio.

Un gran debut de esta banda, que a pesar de las influencias notorias en su disco, nos traen sonidos nuevos y una propuesta muy interesante, tanto en términos de composición como en interpretación. El poseer dos vocalistas es un gran plus en relación a los momentos que le dan al disco. El desarrollar el tema en relación a la muerte y poder desarrollarlo desde diferentes perspectivas, en metáforas de sueño, de etapas de la vida, de viaje, es algo que no conocía en materia musical, por lo que es un gran aporte, sobre todo considerando que este disco fue realizado como un proyecto no comercial.

Funeral (2004)

01 - Neighborhood #1 (Tunnels)
02 - Neighborhood #2
03 - Une Année Sans Lumière
04 - Neighborhood #3 (Power Out)
05 - Neighborhood #4 (7 Kettles)
06 - Crown of Love
07 - Wake Up
08 - Haïti
09 - Rebellion (Lies)
10 - In the Backseat

Neighborhood 1

Lie

Chris Daughtry - Daughtry

Hace un tiempo atrás subí un disco de una chica que había salido de American Idol. Ahora es el tiempo de otro gran cantante salido de ese programa: Chris Daughtry. La temática es diferente ya no es soul ni góspel lo que escuchamos, sino que ahora sacudimos la cabeza al sonido del rock.

El primer álbum de nombre “Daughtry” es lanzado en 2007, y en su producción fue apoyado por Slash (Guns N Roses) y por Chriss Joannou (Silverchair). Un dato curioso es que la banda “Fuel” a la marcha de su vocalista realizó audiciones para rellenar esta plaza, al no quedar conformes con los postulantes, y al ver que Daughtry cantó una canción de la banda en American Idol le ofrecieron el puesto de vocalista, el cual rechazó para lanzar su propia banda.

El disco nos habla acerca del amor en diferentes formas. Así nos encontramos con el primer single del disco: “It’s not over”, el primer single del disco, es una canción pegajosa y que te invita a rockear. Nos narra la historia de un amor que no funciona bien, y como uno debe luchar por lo que queremos y por aquellos sueños que son difíciles e conseguir. Con un sonido similar “Used to”, balada acerca del desamor, nos lleva hacia el pasado, donde la relación marchaba bien y se desea regresar a ese tiempos. En “Home”, segundo single, con un sonido más cálido, con ritmo y un sonido triste. El hogar es el lugar donde tenemos nuestro amor, es al lugar que recurrimos cuando nos sentimos afectados y necesitamos cuidado.

“Over you” nuevamente recurre a historias de amor, quizás historias más personales. Esta vez oímos su voz desgarradora. En donde la desconfianza que siente frente al amor de su vida, algo que nunca se esperó, sin embargo de a poco lo supera y se puede salir de todo este desamor. “Crashed” una canción que habla del riesgo y del descuido, cómo se puede llegar a tocar fondo y poner en peligro su vida y él preguntarse como uno pudo haber llegado a ese nivel, lo más oscuro se encuentra con un ser que prácticamente lo viene a salvar, como un choque inesperado.

“Feels like tonight” nos traslada a una noche donde todo termina, un hombre que cambió por el amor y que hoy no puede creer que se quede solo, ya que no resultó lo que espero. “Breakdown” muestra a un hombre cansado de las actitudes de su pareja que se justifica por todo, y al pensar sobre todo esto, el cree que no es tiempo de terminar, sino que deben continuar juntos, porque el amor los une. “Gone” narra la partida del ser amado que pesa en el recuerdo y aquella soledad que te daña, que no estas acostumbrado. “What I want” lo que quiere y lo que necesita es lo mismo, el liberarse de una mujer que lo utilizo, lo cambió a su antojo e hizo que realizase cosas que nunca pensó, lo dejó sin amigos, y ahora quiere marcharse.

En “There and back again” toca el tema de aprovechar las oportunidades y tomarse su tiempo, así se llegará a destacar. Otro tema “All these people”, habla sobre una enfermedad que te aleja de tus seres queridos, que te deja solo, y que quiebra tu hogar, lamentablemente no la especifica. Y en "What About Now" nos relata sobre un amor roto, que puede sobrevivir, pero que pasa con las cicatrices, ¿lo que no se hizo antes se puede recuperar?

Es un disco de sentimiento mas que de historias, las narraciones son bien personales, ya que te escenifica momentos pero sin un contexto claro, lo que es beneficioso si se relaciona al rock con su origen la emoción. Pero por otro lado se vuelve un hándicap en la comprensión de lo que te están entregando, puedes preguntarte ¿De dónde viene esto?, ¿A qué se refiere?. Pero sin embargo es un buen comienzo, para un joven rockero.

Daughtry (2007)

1. "It's Not Over"
2. "Used To"
3. "Home" -
4. "Over You"
5. "Crashed"
6. "Feels like Tonight"
7. "What I Want"
8. "Breakdown" - 4:01
9. "Gone" - 3:21
10. "There And Back Again"
11. "All These Lives"
12. "What About Now"
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It's not Over

India.Arie - Acoustic Soul

India.Arie es una cantante afroamericana de 32 años. Incursiona dentro del Soul principalmente, tomando otros ritmos de la música negra como el R&B. Llama la atención su propuesta musical, ya que es de una forma acústica, en donde ella se acompaña de su guitarra y de su flauta en algunas ocasiones.

Debuta con el disco “Acoustic Soul” en 2001. Llama inmediatamente la atención del mundo entero por sus sonidos, su composición y su prodigiosa voz. La productora a cargo de sus discos es Motown Records, que es una disquera dedicada exclusivamente a la música negra, algunos de los artistas que están bajo su alero son: Boyz II Men, Brian Mcknight, Erykah Badú, Lionel Richie, Michael Jackson, Diana Ross, Marvin Gaye, Jackson 5.

Este disco debut es un interesante material que pasa por diversos momentos; por una parte es una dedicatoria a todas aquellas personas que han influenciado la vida de India en lo personal y en lo musical, es por eso que temas como “Intro”, “Outro” e “Interlude” se mencionan a gente tales como: Sam Cooke, Marvin Gaye y Donny Hathaway, Steve Ray, Coltrane, , Jimmy Hendrix, Robert Johnson, Charlie Patton, así como también sus familiares. Llama la atención la última canción del disco, que se llama “Wonderful” y es nada más que un tema de agradecimiento a uno de los granes “Stevie Wonder”, se le reconoce como un inspirador y un prodigioso por llevar a la música soul a otros niveles.

Más allá de estos reconocimientos encontramos un álbum íntimo, con un nivel de composición realmente asombroso, letras llena de sentido y sentimientos, con una simpleza y delicadeza que muchos artistas quisieran. India logra por medio de su lírica, voz y sonido contarnos quien es ella; así encontramos temas como “Video”, que es uno de los temas más potentes del disco, en el cual nos dice que ella no es una supermodelo, no se viste de marca y no aparece en revistas, se depila dependiendo como se sienta. Como mujer ha aprendido a quererse ella misma y verse como un reina, pero para ella, respetarse y no cambiar por los caprichos de otros.

En “Brown Skin” nos hace saber su debilidad por la piel morena y toda esa atracción mágica que siente por las personas con este color de piel. “Always in my mind” es un tema donde confiesa que en cada lugar en el que se encuentra está acompañada por la música, es así que cada miedo, dolor, paz, amor alegría, miedo, se encuentra esta compañía. De igual manera India.Arie nos rebela un secreto, cual ha sido su fórmula para poder superar las dificultades de la vida y que le han servido para tomar decisiones correctas, todo esto nos narra en “Strength, Courage & Wisdom”. Y parte de estas confesiones, nos encontramos con una mujer que puede revisar su vida y su pasado, y puede comprender que las cosas buenas y bellas que le han ocurridas pasan por la presencia de alguien que quiere que estas cosas sucedan, es así como en “The Promise” se da cuenta de la presencia de Dios en su vida como en la de otros. En “Ready for love”, encontramos la temática del amar a alguien que quizá no este listo para amar, que de señas de que puede hacerlo, de que puede amar, mientras uno esta dispuesto a todo, sólo falta la otra mitad. Hermosa canción romántica.

Por otro lado, esta autora nos da una lección de vida, como una especie de consejos para poder vivir mejor. Así nos acerca a la a un sentido esencialista, en disfrutar de la naturaleza de las cosas en “The Nature” y en “Simply”, ya que todos somos iguales, todos somos creaciones de Dios y hay que disfrutar de las cosas sencillas. “Part of my life” toma esto mismo, las cosas importantes de la vida no necesariamente necesitan algo físico, sino que muchas veces son espirituales. En la misma línea, en un tema con una gran composición poética, enco

ntramos en “Back to the middle” Dos polos, la arrogancia por un lado, por otro el tratar de ser alguien, lo importante es llegar al centro, aprender lo bueno de lo malo y no quedarse en los extremos.

Sin duda es una de las precursoras del Neo Soul, y vaya que es una nueva forma de hacerlo, además de ser una bella mujer, y una compositora excelente, no en vano se ha ganado el apelativo de “Trovadora”. Todo esto son los ingredientes para crear uno de los discos, a mi parecer, más importantes de la última época en lo que concierne a la música negra. Es un disco ideal para escuchar en cualquier momento, ya que te deja en un estado de tranquilidad. De todas maneras se debe recalcar el nivel de composición, generalmente uno al ver el nombre de una canción supone lo que viene, en este disco me ocurrió algo curioso, esa suerte de jugar a ser adivino no resultó, y me sorprendió la simpleza que ocupa al referirse a situaciones y lo profundidad de sus letras.

Acoustic Soul (2001)

1. Intro
2. Video
3. Promises
4. Brown Skin
5. Strength, Courage & Wisdom
6. Nature
7. Back to the Middle
8. Ready For Love
9. Interlude
10. Always in My Head
11. I See God in You
12. Simple
13. Part of My Life
14. Beautiful
15. Outro
16. Wonderful (Stevie Wonder Dedication) - (bonus track)

Back to the Middle

Video